Juan D’Arienzo, le violoniste de Balvanera qui devint « El Rey del Compás »

 

Le Roi du Rythme !

Il est né le 14 décembre 1900 dans une famille plutôt aisée et de musiciens. Au fil du temps, il abandonne le violon pour commencer à créer l'un des orchestres les plus remarquables et fait partie de l'âge d'or du tango. Il a critiqué le rôle des chanteurs et sa contribution indéniable a marqué un tournant dans le genre musical.

Indubitablement, Juan D'Arienzo marque son empreinte dans le monde du tango et la société. Le Roi du Compás (Rythme !), surnom qui résume le corps et l'âme du musicien et chef d'orchestre distingué, né dans le quartier de Balvanera à Buenos Aires, a fait danser tout le monde, quelle que soit la classe sociale, aussi bien en Argentine qu'en Uruguay pendant le dit « âge d'or » du 2x4 et, qu'on le veuille ou non, il a comblé de nombreuses lacunes.

"Juan D'Arienzo a Color, Recital Completo en Sábados de Tango"

Mettre les différences de côté n’était pas son seul mérite. Il a réussi ce que seule une poignée de personnes dotées du don de la musique pouvaient réaliser : être reconnu à la tête d'un orchestre dès les premiers accords joués. Fidèle à ses racines, il impose son style en revenant aux sonorités originelles du tango et en y ajoutant sa touche moderne. Même aujourd'hui, lorsque sa musique est jouée dans les milongas, les danseurs les plus expérimentés et improvisés marchent hypnotisés au rythme qu'il a marqué comme personne d'autre, et à mesure qu'ils dansent, les pistes de danse commencent lentement à perdre leur couleur et à se transformer en une scène des années 1940. Son style, au rythme marqué et énergique, a revitalisé le tango dans la seconde moitié des années 1930, une époque où le genre était en déclin, et il a compris comment concentrer sa musique sur la danse, faisant du tango un style joyeux et passionné.

Il a commencé à jouer du violon à 19 ans dans l'Orchestre d’Ángel D'Agostino, l'ami avec lequel il a commencé sa passion pour le  « milonguero » dans des groupes de jeunes. Il faisait également partie de groupes de jazz, composait des comédies musicales pour des pièces de théâtre et se produisait dans des cinémas. Ce n'est qu'en 1935 que D'Arienzo apparaît musicalement, son rythme devenant immortel, et il réussit à faire danser toutes les classes sociales dans les milongas, attirant même les plus jeunes du public, qui jusque-là considéraient le tango comme « une affaire de vieux ».

Vers la fin de sa carrière, dans les années 1970, « il cultivait le style « folklorique » : bien sûr, sans le savoir et sans le vouloir », écrit l’historien José Gobello dans sa biographie, ajoutant : « On le voyait gesticuler devant les musiciens et les chanteurs ; on le regardait avec sympathie ; il y avait une pointe de nostalgie et une pointe de moquerie. Bien sûr, le rythme de l’orchestre emportait les pieds des danseurs. Et les pieds des danseurs continuent de bouger au rythme des disques de D’Arienzo, et sa silhouette continue d’inspirer une grande sympathie. Il le mérite pour ce qu’il a fait pour le tango au milieu des années 1930. »

Son histoire :

« Pour comprendre le phénomène D’Arienzo, il aurait fallu l’avoir vécu en personne », écrit l’historien du tango José María Otero dans l’article « Juan D’Arienzo à la télévision », qui suit : « Avec cet orchestre et ce rythme milonguero, il vous laissait sans souffle, mais avec un tel goût dans le corps que vous rentriez chez vous avec le bonheur qui bat dans votre cœur… » Il le génère encore aujourd’hui et il n’est pas nécessaire de le voir. Il suffit de l'écouter pour l'imaginer debout devant ses musiciens, la taille courbée, le dos voûté, donnant vie à ces instruments par le seul mouvement de ses mains, tel un magicien.

L'amour de D'Arienzo pour le tango a commencé lorsqu'il était enfant. Il est né presque avec le tango et son apogée a coïncidé avec la dernière année de la vie de Carlos Gardel. Son père, Alberto D'Arienzo, d'origine italienne, souhaitait que l'aîné de ses trois enfants fasse carrière loin des sons de la musique qui le scandalisaient et se consacre à l'étude du droit et soit responsable de l'usine de production agricole familiale. Mais sa mère, Amalia Améndola, avait étudié la musique et encourageait ses enfants à jouer de différents instruments.

Malgré la rigidité de l'homme, les trois ont commencé leurs études au Conservatoire Mascagni, où Juan a commencé sa carrière sans le savoir alors qu'il n'avait que 8 ans, et à l'âge de 12 ans, Juan était déjà un as du violon. Son frère Ernani était batteur et pianiste, et sa sœur Joséphine était pianiste et soprano.

Dédié à la musique, il n'a pas brisé les rêves de son père et a terminé l'école primaire à l'école Cornelio Saavedra puis l'école secondaire à l'école nationale Mariano Moreno. Plus tard, il a travaillé pour lui comme vendeur, mais il a averti que laisser la musique de côté n'était pas une option. Adolescent, il rencontre un pianiste talentueux de son âge, Ángel Domingo D’Agostino, avec qui il noue une étroite amitié.

Sans le vouloir, ils sont devenus un duo : ils ont travaillé sur des partitions et ensemble, ils ont postulé pour jouer professionnellement. Leur premier contrat était au Zoo avec un salaire de 4 $ par dimanche où ils ont commencé en trio : Juan, au violon ; Ángel au piano et un troisième ami, Carlos Bianchi, à la flûte. On les appelait les « As du Tango ». La joie des débuts musicaux a duré jusqu'à ce qu'ils exigent le paiement, et celui-ci n'est jamais arrivé comme promis.

En 1917, il rencontre Carlos Posadas, un compositeur, violoniste et chef d'orchestre de renom qui représente l'une des figures marquantes de la « Vieille Garde ». À cette époque, il travaillait pour l'orchestre du Teatro Avenida et recevait les connaissances et l'influence de Posadas, avec qui il partageait sa passion pour le tango et une amitié de courte durée : un an après leur rencontre, à l'âge de 33 ans, Posadas mourut, affectant tristement le futur génie.

Accablé par le chagrin, il ne laissa pas la tristesse affecter sa carrière et accepta en 1919 une invitation à jouer au Théâtre National, où il fit ses débuts le 25 juin. Il se souvint de ce moment dans une interview de 1949 : « Nous, D’Agostino et moi au violon, avons assisté à la première de la pièce d’Alberto Novión, El Cabaret Montmartre… Nous jouions dans un petit orchestre de tango, dirigé par nous, qui accompagnait Los Undarias, un célèbre numéro de danse formé par les partenaires et El Morocho Portuguesa, deux étoiles du tango Canyengue », raconta-t-il dans une interview qu’il accorda en 1949.

De nouveaux horizons

Après ces débuts, D'Arienzo a commencé à explorer d'autres rythmes dans sa recherche musicale et son désir de nourrir et de contribuer davantage au tango. Le jazz a généré quelque chose de spécial en lui et il a fait partie d’un des orchestres du moment, « La Jazz Select Lavalle » et du célèbre « Nicolás Verona Orchestra ». Il a également formé des orchestres de théâtre, joué dans des films muets et même été le fer de lance de l'ouverture du cinéma hindou (1927). C'est à cette époque qu'il gagne son premier (et malheureux) surnom : « Le Grillon » (à cause du son de son violon). Un peu déçu, il continue sa recherche du son qui l'identifierait et finit par jouer sur Radio El Mundo, où il commence sa période de reconnaissance.

 

Déjà établi dans le tango, il dépoussière son violon dans La Orquesta Típica Paramount – comme une forme de revanche, peut-être – et deux ans plus tard, il forme son premier orchestre avec Alfredo Mazzeo, Luis Cuervo et lui-même aux violons ; Ciriaco Ortiz, Nicolás Premian et Florentino Octaviano au bandonéon ; Vicente Gorrese au piano ; Juan Carlos Puglisi à la basse et Carlos Dante au chant.

De nombreux amateurs du genre affirment que sa figure est liée à « l'âge d'or » du rythme, puisqu'il a fait revivre les rythmes par son intervention à partir de 1935.

À 35 ans, il ajoute à son répertoire « La puñalada », écrite par le compositeur Pintin Castellanos, et l’orchestre qu’il dirige engage un nouveau pianiste, Rodolfo Biagi, qui lui propose de changer le rythme de 4/8 à celui d’une milonga en 2/4 (2×4). Ceux qui étudient sa vie disent qu'au début il n'aurait pas accepté, mais parce qu'il est arrivé en retard à un concert qui avait commencé sans lui, le nouveau membre de l'orchestre a osé introduire le changement qui a laissé tout le monde sans voix. Lorsqu'il est arrivé, il l'a écouté et il n'y a pas eu de retour en arrière.

« Le 9 juillet, le public dansa avec un tel enthousiasme que lorsque la foule, criant et applaudissant, demanda à D’Arienzo de continuer avec ce nouveau style, le chef d’orchestre n’eut d’autre choix que de le jouer toute la nuit. » On dit donc que c'est lui qui a ramené le tango aux danseurs. De plus, ce nouveau rythme a suscité un grand intérêt chez les jeunes qui considéraient les tangos joués jusqu'alors comme ennuyeux car ils donnaient la priorité au chanteur plutôt qu'à l'orchestre.

La deuxième version de La puñalada (plus rapide) a été enregistrée en 1950 et est devenue le premier enregistrement du genre à se vendre à des millions d'exemplaires.

Le succès

Déjà reconnu comme musicien, il a fait ses débuts avec son orchestre typique à la radio El Mundo et est entendu dans tout le pays. En 1938, Biagi crée son propre orchestre et est remplacé par Fulvio Salamanca avec un succès retentissant, et D'Arienzo est acclamé comme le roi de la vie nocturne de Buenos Aires. « Avec moi, cent mille orchestres de tango et clubs de quartier ont fleuri », se souvient le maestro.

Dans les années 1940, il était un talent incontesté, connaissant bien ce que son style générait au sein de la nouvelle génération. Il déclarait lui-même à l'époque : « Les jeunes aiment mes tangos parce qu'ils sont rythmés et vivants. Après, la jeunesse est synonyme de bonheur et de mouvement. Si vous leur jouez un tango mélodique et décalé, ils ne l'apprécieront probablement pas. C'est ce qui arrive. Aujourd'hui, il y a de bons musiciens et de grands orchestres qui pensent jouer du tango, mais ce n'est pas le cas. S'ils n'ont pas le rythme, il n'y a pas de tango. Ils pensent pouvoir populariser un nouveau style et peut-être avoir de la chance, mais je continue de penser que sans rythme, il n'y a pas de tango. En tant que professionnels, je les respecte tous, mais ce qu'ils jouent n'est pas du tango. »

L'orchestre typique de D'Arienzo se composait de cinq violons, de guitares basses, de cinq bandonéons, de chanteurs et d'un piano, et il jouait parfois avec un orchestre plus petit et souvent avec un plus grand. Il aimait varier.

Il est très bien décrit par Luis Adolfo Sierra, chercheur sur le tango, dans L’évolution du tango instrumental (1966) : « Le phénomène de la résurrection de la danse tango est le résultat d’un personnage principal qui a créé une manière d’interpréter un style : Juan D’Arienzo. »

C'est le son et la passion qu'il a généré chez les danseurs qui ont dépassé : la figure du metteur en scène lui-même a laissé de côté le sérieux dans l'annotation, et sa personne a pris une grande importance. D'Arienzo n'a pas marqué seulement avec ses mains, non. Il l'a fait avec tout son corps et il a apprécié ! Il ferma les yeux, secoua la tête, tapota ses jambes au rythme de la musique, rit et sourit en penchant son torse sur les musiciens qui le regardaient avec ravissement. Un même, dirait aujourd’hui : « Restez avec quelqu’un qui vous regarde comme les musiciens regardent D’Arienzo. »

« La voix humaine n'est, et ne devrait être, qu'un instrument de l'orchestre. Tout sacrifier au nom du chanteur, de la star, est une erreur. Ma plus grande fierté est d'avoir contribué à cette renaissance de notre musique populaire. (...) Si les musiciens reviennent à la pureté du 2x4, l'enthousiasme pour notre musique renaîtra et, grâce aux moyens de communication modernes, nous atteindrons une renommée mondiale », déclarait-il lors d'une interview accordée à un magazine en 1975.

Et il se définissait ainsi : « Mon orchestre a toujours été difficile, avec un rythme nerveux et vibrant. Et c'était ainsi parce que, pour moi, le tango a trois choses : le rythme, l'impact et les nuances. Un orchestre doit avant tout être vivant. C'est pourquoi le mien a duré plus de cinquante ans. Et quand le Prince m'a donné ce titre, j'ai pensé que c'était juste, qu'il avait raison. »

Il est décédé un mois après cette rencontre et est enterré au cimetière de Chacarita.

Les pièces les plus marquantes

Sur le podium, La cumparsita. La composition de l'Uruguayen Matos Rodríguez est le tango le plus représentatif de son orchestre typique et lui est directement liée. C'est parce que cet exquis enregistrement original (1928) avec Carlos Dante a été suivi de sept autres, entre 1929 et 1971.

La milonga La Puñalada fut la deuxième représentation la plus acclamée des orchestres dirigés par l'excellent musicien et fut enregistrée quatre fois avec de nouveaux arrangements qu'il introduisit entre 1937 et 1963. Les deux tangos furent interprétés par d'innombrables orchestres et ensembles. Ils continuent à le faire.

D'autres performances instrumentales notables incluent : « The Hurricane », « Comme il Faut », « Canaro in Paris » et « Quejas de bandoneón».

Acclamé en Argentine comme en Uruguay, il a donné en 1971 avec son orchestre typique une performance mémorable dans l'émission "Sábado de tango" sur la chaîne 4 de Montevideo, où ils ont interprété leurs plus grandes interprétations, y compris la version finale de "La cumparsita", qui est reproduite dans cet article.

Sa relation avec l'art ne se limitait pas à la musique, mais elle participait également à des films tels que « Una ventana al éxito » (1966), « La voz de mi ciudad » (1953), « El cantor del pueblo » (1948), « Yo quiero ser bataclana » (1941), « Melodías Porteñas » (1937) et « Tango » !, en 1933.

Sources : https://www.todotango.com/creadores/ 
                Revue "La Salida" et Fabrice Hatem
                Noel Blandin (Brève Histoire du Tango Argentin)

                Luis Adolfo Sierra,  L’évolution du tango instrumental (1966) 

               DJ BYC Bernardo

              Tango Sacha